title. 10.台灣與印尼前衛影像與複合藝術的興起
year. 2021
writer. Chen Pei Yu
[CHINESE]
台灣與印尼前衛影像與複合藝術的興起
對台灣的影像與當代藝術而言，1960年代是一個重要的衝擊，在影像與藝術展覽中都有著與過往不同的認識與表現方式，這些養分對於當代的創作影響至深。對印尼來說也是，1968年雅加達藝術理事會（Dewan Kesenian Jakarta／Jakarta Arts Council）成立，開啟了對藝術有系統性的整理與展示，1973年雅加達藝術學院成立，1975年一群視覺藝術家發表新藝術運動宣言，扭轉了印尼對於藝術的定義，並延燒至今。
前衛、實驗、跨媒材
針對影像的脈絡爬梳，台灣的《劇場》雜誌於1965年創刊並倏忽的中止於1968年，雖然標榜台灣創辦的電影雜誌，卻不討論當時的主流商業電影，反而在內容中大量介紹台灣人不太關注的影像主題，例如英國導演林賽．安德森（Lindsay Anderson）與東尼．李察遜（Tony Richardson）、法國「新浪潮」（La Nouvelle Vague）的雷奈（Alain Resnais）與高達（Jean-Luc Godard）、義大利作者安東尼奧尼（Michelangelo Antonioni）與費里尼（Federico Fellini）、日本的黑澤明、美國創作者卡薩維堤（John Cassavetes）、馬雅．黛倫（Maya Deren），及「地下電影」藝術家如安迪．沃荷（Andy Warhol）、米卡斯（Jonas Mekas）等人的作品，顯見這些影像語言的風格與主流電影圈的差異性，在當年已受到特定人士注目，替台灣關注實驗影像的一群人留下重要文獻。縱使1933年已出現劉吶鷗的《持攝影機的男人》，但當年並未受到關注，自然也未特別大量發展個人式的實驗電影，直到1960年代輕便的攝影器材出現，才容許個人攝影與家庭錄影能夠相對輕鬆的製作影像，對當時的影像產製而言是相當大的新科技突破。
複合媒材藝術展覽方面也在此時大量開展，如「現代詩展」（1966）、「大台北畫派一九六六秋展」（1966）、「UP展」（1967）、「圖圖畫會」（1967─1970）、「畫外畫會」（1967─1971）、「不定型藝展」（1967）、「南部現代美術會」（1968─1971）、「黃郭蘇屋」（1968）、「七零超級大展」（1970）等，黃華成、張照堂、莊靈等是此時期較著重在影像與劇場創作的藝術家。其中，《實驗002》（1967）、《生之美妙》（1967）、《日記》（1967）、《剎那間容顏》（1972）、《大甲媽祖回娘家》（1974）、《王船祭典》（1980）、《再見‧洪通》（1978）、《延》（1966）、《赤子》（1967）等短片，在影像語言手法上與注重敘事型的商業電影不同，有時像是私密回憶與夢境，或是個人對宗教與藝術的理解，甚至有些作品還考量到在不同螢幕上的放映方式，如《實驗002》的多螢幕同時放映，讓影像不只是告訴觀眾故事，更帶給觀眾視覺上的氛圍，以及整體放映時的空間感，刺激觀眾思考多重敘事的邏輯。相較之下，比起當今在美術館空間常見的錄像藝術作品，早期作品或許尚未全面思考到影像進入當代藝術展的目的，卻顯見藝術家們意識到影像不只是透過對白將觀眾帶入影像世界，更已將影像本身視為表達情感與空間氛圍的元素之一。
若談及印尼前衛藝術的轉折，1974年舉辦Pameran Seni Lukis Indonesia畫展，被認定是促使雅加達雙年展成立的前身，一個最早的大型繪畫展覽在Taman Ismail Marzuki空間展出，現為印尼文化中心。此畫展更促進印尼前衛運動的誕生，1975年一群視覺藝術家發表新藝術運動的宣言Gerakan Seni Rupa Baru，在日惹和萬隆興起，主要是以視覺藝術運動打破以純繪畫形式作為展覽的指標。其中，Siti Adiyati是少數這些成員中還持續進行創作與書寫的，她於2017年特別透過雅加達雙年展基金會出版的Dari Kandinsky Sampai Wianta: Catatan-Catatan Seni Rupa（1975─1997）一書中，以瓦西里‧康丁斯基（Wassily Kandinsky）作為印尼前衛藝術的啟蒙，認為抽象藝術帶給戰後的印尼藝術新視野，特別是轉化過去一昧複製西方的寫實或印象派畫風，取而代之的是以圖像、繪畫以及複合媒材等方式拼貼而成的作品。她曾以文字記錄1976年新藝術運動正式發表的畫展Pameran konsep Seni rupa baru Indonesia，此展覽提出「我們（印尼）的藝術到底是什麼」？藉著展覽內容顛覆過往對藝術的既定印象，轉向反思印尼美術史。在短短一週內共分為塗鴉活動與展示成果，現地創作過程中新藝術運動的許多成員聚集在文化中心，一邊繪畫一邊討論藝術理念、思想交流與閱讀相關書籍，也自由在展廳上的畫紙描繪作品，「藝術提問」成為展覽主要討論的本質，打破傳統藝術形式的規範成為最大突破。作品與展覽理念從荷蘭殖民時期的首位印尼畫家拉登‧薩利赫（Raden Saleh Syarif Bustaman）為開端，再帶入藝評人Sanento Yuliman Hadiwardoyo替印尼美術史脈絡整理至1976年的觀點，反思以西方美學為主的藝術，試圖從作品中找出印尼藝術的本質。[1]另外，著名的塗鴉作品Mural由知名插畫家、漫畫家和印尼教育家等多重身分的Priyanto Sunarto在現場創作，藉著一張塗鴉與當時觀眾喜愛的漫畫，簡述印尼人民與思想主體性的矛盾，將身體切割為不同部位，並從服裝到內在都藉由命名的方式反思印尼人的中心思想，透過他堅持漫畫中的視覺隱喻理念突顯藝術與政治、生活、文化之間的連結性。
在蘇哈托政權終結之前，新藝術運動成員在艱困的環境中批判政治，成為藝術實踐的動力，FX Harsono和Dadang Christanto等藝術家曾針對1965─1966年的印度尼西亞大屠殺發表評論，更應用在後續的創作理念中。此展覽以繪畫、雕塑、裝置、現成物、照片、相關文物和寫實繪畫之外的藝術品為主，新藝術運動於1989年結束，被認為是印尼當代藝術的開端。著名人物包括Jim Supangkat、Saneto Yuliman、Ded Eri Supria、Dadang Christanto、FX Harsono等。此運動得出的結論是：「藝術是一個複數的概念」，接納裝置作為其主要混合形式，以結束東西方對抗辯論並主張傳統藝術與當代藝術之間的互動關係。[2]
錄像作為藝術創作延遲至台灣與印尼
如果說台灣的短片與實驗影像源自於1960年代，那印尼則在1970年代中期開始發展8釐米短片，如Henri Darmawan與Hadi Purnomo開始發展實驗電影，Gotot Prakosa則較注重短片手繪動畫的作品，經常透過印尼傳統音樂與繪畫結合的動畫，描述印尼的文化與歷史，以及印尼人的自我認同。此外還有將紀錄片與傳統舞蹈結合的創作者Sardono W. Kusumo。這些人都是從Sinema 8發跡，來自1973年雅加達迷你電影節後開始使用8釐米攝影機拍攝短片的團體，[3]也成為日後錄像藝術家重要的養分。
如果就當代藝術的範疇而言，以錄像裝置藝術來說，1960年代的白南準或許可作為起頭，台灣與印尼則約莫在1980─1990年代發跡，1983年，郭挹芬創作出三件台灣最早的錄影裝置作品《角落》、《宴會》及《大寂之音》。[4]主要受到白南準的影響，在日本筑波大學發表系列作品，透過錄像、枯枝、自然植物、宴會桌與古琴等元素，探討物質性、媒體性與現代裝置藝術的觀察，開啟台灣錄像藝術輝煌時期。她陸續發表《The Wall》（1984）、《音的埋葬》（1985）、《做夢中夢．悟身外身》（1986）及與盧明德合作《沉默的人體》（1987）。其中，《沉默的人體》結合電視錄像、實物投影機、幻燈機、沙拉油水容器、電子琴演奏控制的聲音、音樂及表演者，將表演、身體與空間性的概念結合，除了是當時突破性的運用影像來傳遞作品概念，最重要的是透過表演提出身體性與影像互動之間的關聯。同樣關乎身體性，1993年印尼錄像藝術家Krisna Murti在萬隆發表《舞者Agung Rai12小時的真實生活》（12 Jam dalam Kehidupan Penari Agung Rai／12 Hours in the Life of Agung Rai, the Dancer），用自然元素如樹枝、稻穀等材料包圍幾台小電視。影片內容播放峇厘島舞者Agung Rai與德國藝術家Walter Spies合作的舞蹈音樂表演，由於錄像共12小時不曾間斷亦不曾剪接，試圖探討影像時間與真實人類時間的關係，思考著錄像不只是紀錄影片的工具，更揭示當年新影像媒體時代的突破，同年也在第四屆雅加達雙年展發表不同版本，亦有其他行為藝術、裝置和錄像等他人的作品共同展出。
若更進一步將錄像加入投影的角度來觀察，1986年洪素珍於春之藝廊規劃「錄影‧裝置‧表演藝術」展，與荷蘭藝術家蘭‧芙爾（Nan Hoover）、克力斯‧巴斯迪安（Christian Bastiaans）合作《坐在綠中》，以一張紙從屋頂落下，洪素珍坐在紙的前方而光源從後方投射，透過身影的阻擋因而紙上會有一人端坐的黑色剪影，其他部分都呈現綠色。這件作品透過光、熱能與投映的方式探討資訊時代的快速流動，此時的紙成為承載影子而被投映的屏幕裝置。相較之下，被視為印尼最早的錄像投影作品Hoping to Hear from You Soon（1992）也使用了影子的元素，只是探討的題材著重在呈現常民文化的時光。結合皮影戲（Wayang）與小吃攤（Warung）的在地特色，藝術家Heri Dono先在小吃攤進行拍攝，觀察此空間作為不同文化交流的社交場合，再將這些影像投影至他自行創作的畫布上，繪畫內容採用印尼特色圖像與皮影戲的形象，隱喻客人的來去就像傳說故事中的角色，也是思索生命交流與時光流逝。藝術家並非要藉由小吃攤或皮影戲來宣揚傳統印尼文化，而是希望透過新的影像媒材技術重新思考圖像的象徵意義。[5]
似乎，身體性、時間感、自然素材、影像中的圖像運用與空間氛圍等，在台灣與印尼早期錄像藝術作品中是容易被應用的元素，更奠定日後結合影像與行為表演的常見題材。整體而言，台灣與印尼的美術從過往既定印象的學院風格繪畫或雕塑等作品，到前衛與新藝術運動的興起，讓當代的藝術創作朝向多媒材融合的概念，也成為至今習以為常的創作模式。
該寫作計畫由國家文化藝術基金會、文心藝術基金會贊助現象書寫-視覺藝評專案贊助
[1] Siti Adiyat. Dari Kandinsky Sampai Wianta: Catatan-Catatan Seni Rupa (1975-1997). Jakarta Biennale Foundation
(Jakarta, Indonesia). Pp15-25
[2] https://en.wikipedia.org/wiki/Indonesian_New_Art_Movement
[4] 編輯訪談整理，〈錄影藝術的跨地鍵結──盧明德與郭挹芬的複合媒體創作〉，《藝術觀點》，第59期「錄影的微明─1980年代以來的臺灣錄像藝術」，2014，pp45-55。
[5] https://artspectacleasia.com/dunia-dalam-berita-the-world-in-news-at-museum-macan/
[ENGLISH]
Translation in progress.
[INDONESIAN]
Belum tersedia.
